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diarios viejos

Grilla de programación Malba Cine Enero 2010


Fuente:
 palermonline
Sección: palermo cine
Fecha: 02 de enero 2010


 

Entrada General: $15.- Estudiantes y jubilados: $8.-

Abono: $65.- Estudiantes y jubilados: $33.-

MV: exhibiciones con música en vivo

(Palermonline Noticias del Barrio de Palermo 02 de enero de 2010)

PROGRAMACIÓN ENERO 2010

1. Ciclo

La fábrica de los sueños de Andy Warhol

Del jueves 21 al domingo 31

2. Ciclo

Cine dentro del cine

Durante todo el mes

3. Film del mes XLVIII

Excursiones (Argentina, 2009), de Ezequiel Acuña

Viernes y sábados a las 22:00

4. Estreno

La Tigra Chaco ( Argentina, 2008), de Federico Godfrid y Juan Sasiaín

Viernes y sábados a las 20:00

5. Estreno

Los resistentes ( Argentina, 2009), de Alejandro Fernández Mouján

Domingos a las 18:00

 

6. Trasnoches

Verano caliente

Indagaciones eróticas y pornográficas

Jueves, viernes y sábados a las 00:00

7 . Grilla de programación

Jueves 7

14:00 La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz

16:00  El demonio nos gobierno, de Ingmar Bergman

18:00  Ingmar Bergman, de Stig Björkman

19:00  Especialistas en catástrofes, de Otto Brower

20:00  Disparen sobre el pianista, de François Truffaut

22:00  The Ring, de Hideo Nakata

00:00  Garganta profunda, de Gerard Damiano

Viernes 8

14:00  Intimidad de una estrella, de Robert Aldrich

16:00  El protegido, de Leopoldo Torre Nilsson

18:00  Muerte en un beso, de Nicholas Ray

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

Avant premiere (Función para invitados)

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Gitano, de Emilio Vieyra

Sábado 9

14:00  La épica que nunca fue, de Bill Duncalf

16:00  El ferroviario, de Gerald Potterton + Buster Keaton cabalga de nuevo, de John Spotton

18:00  Directed by John Ford, de Peter Bogdanovich

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Caliente al rojo vivo, de Robert Collector

Domingo 10

14:00  La leyenda de Bruce Lee, de Leonard Ho

16:00  Cinco locos en Hong Kong, de Yvan Chiffre

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernandez Moujan

22:00  Como se hizo la hora de los hornos, de Fernando Martín Peña

Jueves 14

14:00  El fabricante de estrellas , de Tay Garnett

15:30  La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz

18:00  Escándalo, de Jorge Délano

20:00  La discoteca del amor, de Adolfo Aristarain

22:00  El estado de las cosas, de Wim Wenders

00:00  La mujer pública, de Andrzej Zulawski

Viernes 15

14:00  Muerte en un beso, de Nicholas Ray

16:00  Invitación al amor, de Douglas Sirk

18:00  De golpe en golpe, de Jerry Lewis

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Historia de 0, de Just Jaeckin

Sábado 16

14:00  Locura en el Oeste, de Mel Brooks

16:00  Las angustias del Dr. Mel Brooks, de Mel Brooks

18:00  La última locura de Mel Brooks, de Mel Brooks

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Guerreras amazonas , de Oswaldo De Oliveira

Domingo 17

14:00  La rosa púrpura del Cairo, de Woody Allen

16:00  Sherlock, Jr., de Buster Keaton + MV

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

21:00  Porno mudo + MV

Jueves 21

14:00  Tuyo es mi corazón, de Alfred Hitchcock

16:00  Psicosis, de Alfred Hitchcock

18:00  Río Grande, de John Ford

20:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

22:00  Una mujer bajo influencia, de John Cassavetes

00:15  Exhibition, de Jean-Francois Davy

Viernes 22

14:00  El ferroviario, de Gerald Potterton + Buster Keaton cabalga de nuevo, de John Spotton

16:00  La rosa púrpura del Cairo, de Woody Allen

18:00  Sherlock, Jr.  Buster Keaton + MV

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Porno mudo + MV

Sábado 23

14:00  Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen

16:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

18:00  Dar la cara, de José Martínez Suárez

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Sangre para Drácula, de Paul Morrisey

Domingo 24

14:00  El hombre que cayó a la Tierra, de Nicolas Roeg

16:20  Lo que el cielo nos da, de Douglas Sirk

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

21:00  Una Eva y dos Adanes, de Billy Wilder

Jueves 28

14:00  El rock de la cárcel, de Richard Torpe

16:00  El ciudadano, de Orson Welles

18:00  Outer and Inner Space + Kitchen, de Andy Warhol

20:00  The Chelsea Girls, de Andy Warhol

00:00  Lonesome Cowboys, de Andy Warhol

Viernes 29

14:00  Peeping Tom, de Michael Powell

16:00  Imitation of Christ, de Andy Warhol

18:00  Lupe , de Andy Warhol

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  My Hustler, de Andy Warhol

Sábado 30

14:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

16:00  Poor Little Rich Girl, de Andy Warhol

18:00  Nude Restaurant, de Andy Warhol

20:00  La Tigra Chaco , de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Vinyl, de Andy Warhol

Domingo 31

14:00  Blow Job + Kiss, de Andy Warhol

15:45  Beauty 2, de Andy Warhol

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

22:00  El beso de la mujer araña, de Héctor Babenco

 

 

1. CICLO

La fábrica de los sueños de Andy Warhol

Del jueves 21 al domingo 31 de enero.



Las películas de Andy Warhol no son tan conocidas ni han circulado tanto como sus pinturas pero son igualmente importantes e innovadoras. Producidas en simultáneo con las serigrafías, extienden y ahondan el mismo espectro temático: sexo, muerte, belleza, deseo, fantasía, narcisismo, alienación y poder. Hay en ellas rastros visibles de los nombres y las obras que marcaron a Warhol -Jack Smith y las películas de la Paramount, Shirley Temple y el primer porno, Thomas Edison y Rebel Withut a Cause-, pero el ojo de la cámara refleja sin duda su mirada personal. Su imaginario cinematográfico está mayormente habitado por Hollywood, y los grandes estudios -a los que de hecho Warhol ambicionaba llegar algún día- modelizan cada etapa de la producción de su cine. La influencia de sus películas en autores tan diversos como Gus Van Sant, John Waters, Rainer Werner Fassbinder y Pedro Almodóvar es indudable.


Warhol compró  su primera cámara -una Bolex 16mm- en 1963 y empezó a filmar. En sus primeras películas, Kiss, Eat, Sleep, Blow Job y Empire , las innovaciones formales eran simples y radicales a la vez: el uso del plano fijo, la ausencia de relato, la casi total falta de edición y un sentido distendido del tiempo logrado mediante el uso de la película muda filmada a una velocidad de 16 cuadros por segundo y proyectada a 24. Como observó Jonas Mekas, unos de sus primeros defensores, estos "desplazamientos sencillos (.) le dieron al conjunto una perspectiva totalmente nueva". La riqueza de la textura y la vacuidad ideológica, la densidad material y el realismo documental, la espontaneidad y la artificialidad conviven en un prodigioso equilibrio que armoniza los opuestos. En abstracciones poéticas y meditaciones líricas sobre objetos y acciones que la mente ya conoce, la forma no es sino la forma del contenido.


Sus primeras películas le dieron una nueva dimensión al aura de escándalo y radicalismo que tiñó su leyenda desde el comienzo. Así como las latas de sopa Campbell se convirtieron en el grito de guerra del joven movimiento Pop, su película Empire se transformó en sinónimo del underground neoyorquino. En las películas posteriores Warhol introdujo elementos narrativos y personajes, pero enmarcados en situaciones episódicas más que en relatos secuenciales, abiertas a la improvisación y el accidente. Siempre prefirió la performance y la actitud a la verosimilitud y la actuación, y trabajaba con actores no profesionales reclutados en su rebaño de la Factory. Esta predilección culminaba en el uso estratégico de actores travestis, que le permitían explorar materiales hasta entonces considerados tabú, como la homosexualidad, la prostitución, el uso de drogas y el travestismo. Abiertamente confiado al talento de los otros, el proceso era colaborativo, un experimento de creatividad colectiva típico de los sesenta. La idea radical de no interferencia por parte del director se oponía francamente a la concepción dominante en el underground neoyorquino del director como visionario romántico que rechaza las fórmulas prefabricadas de Hollywood y se consagra a la maestría de su oficio. Aún así, la sensibilidad de Warhol es inmediatamente reconocible. Mekas lo resumió admirablemente: "Todo el misterio radica en cómo se sostiene el conjunto. Pasa lo mismo que con los Estados Unidos: la idea, el concepto, lo esencial es de Warhol pero los elementos particulares y los materiales provienen de todas partes, reunidos por un espíritu central."


La idea que anima esta selección de películas de Warhol es la intersección de la cultura popular y la cultura política de los Estados Unidos. Cada una de las películas incluidas en el programa toca directa o sesgadamente cambios en la vida social y cultural norteamericana durante los sesenta: el auge de la cultura popular, la total dominación que alcanzó la televisión, la colonización de la vida psíquica del individuo por parte de la publicidad y el marketing, y el inminente colapso de los límites entre la esfera pública y la privada. En películas como Vinyl o My Hustler, por ejemplo, el sujeto es reducido a simple material o mercancía intercambiable en el mercado, o un delincuente juvenil es sometido a formas extremas de castigo y rehabilitación. En Poor Little Rich Girl o Lupe , en cambio, el voyeurismo del ojo de la cámara de Warhol capta el exhibicionismo, el narcisismo y la autocompasión de la juventud de su tiempo. Beauty #2 deja ver los métodos sádicos e inhumanos con que Warhol obtenía a menudo sus mayores logros, la humillación, la crueldad y el conocimiento íntimo de la persona con los que conseguía que la actriz principal (Edie Sedgwick en este caso) exteriorizara su desequilibrio emocional. La épica del underground de Chelsea Girls -quizás su mejor obra y sin duda la más ambiciosa- destila la ironías frágiles, las pretensiones y las desilusiones de la utopia y la bohemia . Lonesome Cowboys es una reelaboración camp del western y una versión paródica de la imagen idealizada de la frontera, mientras que por detrás del regodeo en la autoexposición banal de Nude Restaurant se esconde una crítica a la guerra de Vietnam (similar a la de la cultura hippie en términos más amplios). Andy Warhol's Blood for Dracula , una película de terror spaghetti producida por Warhol y dirigida por Paul Morrissey, es un ejemplo claro de las películas que Warhol produjo según su propia versión del sistema de los grandes estudios de Hollywood.


Como sus mejores pinturas, las películas de Warhol son cápsulas de tiempo de un momento de la vida sociopolítica de los Estados Unidos. Espejo fiel de su época, la neutralidad y la receptividad de su arte le permitieron desnudar la estructura interna y la dinámica de la sociedad de su tiempo, la implacable pulsión de muerte que anida en la ideología afirmativa norteamericana. Pero más que meros documentos, sus películas son productos cambiantes que responden dialécticamente a los fenómenos que describen. En su momento fueron ridiculizadas y celebradas, descartadas como meras farsas y destacadas como pioneras de una nueva tendencia del cine que liberaría al medio. Se las consideró esotéricas y vulgares, materialistas y abstractas, burlonas y poéticas. En la era de Youtube y los reality shows en los que la abyección de cierta autoexposición narcisista le da un giro muy ambiguo a su famoso axioma por el que "en el futuro todo el mundo tendrá sus quince minutos de fama", las películas de Andy Warhol han demostrado ser proféticas.


Una selección complementaria de películas del archivo de Filmoteca Buenos Aires vinculadas a la vida y obra de Warhol acompañará el ciclo de sus propias producciones. Algunas comparten estrellas con sus pinturas, como Elvis Presley en el musical El Rock de la cárcel y Marilyn Monroe en Una Eva y dos Adanes (que también incluye un giro de comedia absurda con Jack Lemmon travestido). En otras -como el clásico de John Wayne, Rio Grande - el género sirve de modelo para las perversiones paródicas de Warhol. También Lo que el cielo nos da , un dramón en saturado Technicolor, se incluye en esa clave: el melodrama clásico de amor prohibido por motivos de clase y la actuación camp del homosexual no asumido Rock Hudson se abren a otra lectura. Algunas de las películas elegidas presentan la dialéctica de la fama que siempre fascinó a Warhol. El ocaso de una vida exhibe la crueldad del star system a través de la historia de decadencia y caída de una vieja actriz menor de Hollywood, interpretada por la inigualable Gloria Swanson, idolatrada por Warhol. El hombre que cayó a la tierra es también una parábola de estrellato y alienación, con David Bowie -que alguna vez compuso una canción sobre Warhol y más tarde lo interpretó en el biopic de Julian Schnabel, Basquiat - en el papel principal. En la soledad que aísla al magnate de la prensa en medio de su fenomenal éxito material en El Ciudadano puede leerse una suerte de cuento moral contemporáneo que también sugiere una analogía con la creciente alienación de Warhol hacia el fin de su vida.

Alfred Hitchcock (alguna vez considerado por Warhol como el más grande director del underground ) comparte con Warhol la mirada voyeurista y libidinizante, la inclinación a pigmalionizar a sus actrices, y el talento para la publicidad y la autopromoción. El beso de Cary Grant e Ingrid Bergman en Tuyo es mi corazón marcó en su momento el récord del beso más largo en pantalla, una proeza que Warhol repitió en Kiss. El voyeur sádico y nene de mamá Norman Bates de Psicosis encarna una suerte de alter ego del artista, un sicótico norteamericano sublimado; la película no oculta su gusto por los argumentos de la prensa amarilla y por la producción de bajo perfil, como la serie de Warhol Muerte y Desastre .  La película de terror de Michael Powell Peeping Tom también explora la relación entre voyeurismo y violencia: el protagonista, conejillo de indias de los experimentos psicológicos de su padre, se convierte en un asesino serial que filma los asesinatos de sus víctimas cámara en mano. Con John Cassavetes Warhol comparte el gusto por la improvisación y el deseo de que la representación de la vida en el cine sea menos abstracta, más concreta y real. En Una mujer bajo influencia , Cassavetes retrata el lento develamiento de una mujer. El beso de la mujer araña , basado en la novela de Manuel Puig, es una versión del clásico tropo del hombre de cultura gay que se enamora de un heterosexual. El protagonista usa la narración como arma de seducción de su compañero de celda, un militante de izquierda endurecido por la lucha política que llega a descubrir el potencial subversivo de la cultura.


Por Philip Larratt-Smith

[Traducción de Graciela Speranza]



Lista de películas


Kitchen (1956) de AW y Roland Tavel. c/Ronald Tavel, Edie Sedgwick, Roger Trudeau. 66'.


Outer and Inner Space (1966) 33'


The Chelsea Girls (1966) c/Marie Menken, Mary Woronov, Gerard Malanga, Ondine, Ingrid Superstar, Susan Bottomly, Angelina "Pepper" Davis, Rene Ricard, Ronna Paige, Mario Montez, Nico, Ed Hood, Patrick Flemming, Eric Emerson. 210'


Lonesome Cowboys (1968) c/Joe Dallesandro, Viva, Taylor Mead, Louis Waldon,

Eric Emerson, Julian Burroughs, Alan Midgette, Tom Hompertz, Francis Francine.

111'


Lupe (1966) c/Billy Name, Edie Sedgwick. 72'


My Hustler (1965) de AW y Chuck Wein. c/Paul America, Ed Hood, John MacDermott, Genevieve Charbon, Joseph Campbell, Dorothy Dean. 67'


Poor Little Rich Girl (1965) c/Edie Sedgwick. 66'


    Nude Restaurant (1967) c/Brigid Berlin, Julian Burrough, Taylor Mead, Allen

Midgette, Ingrid Superstar, Viva, Louis Waldon. 100'


Vinyl (1965) c/Tosh Carillo, Larry Latrae, Gerard Malanga, J.D. McDermott, Ondine, Jacques Potin, Edie Sedgwick. 70'


Blow Job (1963) c/DeVeren Bookwalter, Willard Maas. 35' + Kiss (1963) Rufus Collins, Johnny Dodd, Freddie Herko, Mark Lancaster, Naomi Levine, Gerard Malanga, Ed Sanders. 50'


Beauty #2 (1962) c/Gino Piserchio, Edie Sedgwick, Chuck Wein. 66'


Imitation of Christ (1967) c/Andrea Feldman, Patrick Tilden Close, Taylor Mead, Nico, Ondine,Tom Baker. 85'



El ciudadano ( Citizen Kane , EEUU-1941), c/Orson Welles, Joseph Cotten, Everett Sloane, Ray Collins, Agnes Moorehead. 119'.

No hay nada que no se haya escrito ya sobre esta obra mayor, verdadera bisagra en la historia del cine. Welles trabajó sobre varios proyectos (incluyendo una versión de El corazón de las tinieblas de Conrad) antes de decidirse por esta biografía no autorizada del magnate del periodismo William Randolph Hearst. Para hacerla contó con el apoyo total del estudio RKO, lo que permitió desplegar una audacia formal y narrativa que abrió las puertas a la modernidad para la representación cinematográfica. Esa audacia no llegó hasta el lanzamiento del film, ya que el estudio comenzó a acusar los efectos de las presiones de Hearst y de otros poderosos de la industria que se alinearon con él, pero los años han vencido a todas las resistencias.


Tuyo es mi corazón ( Notorious , EUA-1946) de Alfred Hitchcock, c/Cary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Reinhold Schunzel. 101'. Doblada al castellano .

La hija de un espía nazi, persuadida por el servicio secreto norteamericano, seduce a un colega de su padre para desmantelar, a través suyo, una célula nazi todavía activa en Sudamérica. Antes de que los rusos se volvieran los villanos favoritos durante la guerra fría, los nazis siguieron siendo la principal amenaza del cine. Hitchcock logró algunas de las mejores escenas de toda su obra en este film.


Rio Grande (Ídem., EUA-1950) de John Ford, c/John Wayne, Maureen O'Hara, Ben Johnson, Harry Carey, Jr., Victor McLaglen, Chill Wills. 105'.

Dice la leyenda que Ford sólo hizo Rio Grande para que el productor Herbert Yates le permitiera realizar El hombre quieto . Aunque así fuera, el film está muy lejos de parecer un compromiso comercial. En medio del enfrentamiento constante con los apaches, el comandante Kirby Yorke (Wayne) debe lidiar además con su hijo, que quiere ser soldado, y con su mujer, que quiere impedirlo. Junto con Sangre de héroes (Fort Apache, 1948) y La legión invencible (She Wore a Yellow Ribbon, 1949), Río Grande completa una legendaria trilogía de westerns dedicados a la caballería. Hace décadas que este film no se ve en fílmico en Argentina. Se exhibirá en una copia nueva, adquirida recientemente por la Filmoteca Buenos Aires


Lo que el cielo nos da ( All That Heaven Allows , EUA-1955) de Douglas Sirk, c/Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead, Conrad Nagel, Virginia Grey. 89'.

Una mujer Madura, viuda y con dos hijos adultos, descubre la posibilidad de un nuevo amor en un jardinero más joven que ella. De la serie de coloridos melodramas que Douglas Sirk hizo en los '50 (muchos de ellos interpretados por Riock Hudson), éste debe ser el más célebre, en buena medida porque inspiro al menos dos versiones libres: La angustia corroe el alma (1974) de R. W. Fassbinder (declarado discípulo de Sirk) y de Lejos del paraíso (2002) de Todd Haynes.


El rock de la cárcel (Jailhouse Rock, EUA-1957) de Richard Torpe, c/Elvis Presley, Judy Tyler, Vaughn Taylor, Dean Jones. 96'.

No fue la primera película de Elvis, pero sí la que estableció una imagen de joven violento y pendenciero que tuvo su impacto, aunque no se prolongó  después en otros films que prefirieron pasteurizar ese personaje. En cambio, en El rock de la cárcel el Rey mata a trompadas a un señor, va preso, maltrata chicas y mantiene una actitud persistentemente desagradable hasta la necesaria redención final. Atento al público femenino, el realizador aprovecha cualquier excusa para dejar a Elvis sin camisa. Se supone que el número principal del film fue concebido y coreografiado por el ídolo. Se estrenó en Argentina con el título "Prisionero del rock".


Una Eva y dos Adanes ( Some Like It Hot , EUA-1959) de Billy Wilder, c/Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Joe E. Brown. 120'.

Dos músicos resultan testigos involuntarios de la venganza de un gángster, y se ven obligados a disfrazarse de mujeres para poder ocultarse en una orquesta de señoritas. Este clásico esencial de la comedia norteamericana tiene una legendaria frase final y a Marilyn, más bella que nunca. En las presencias de los veteranos George Raft -como el gángster- y Pat O'Brien -como el detective que lo persigue- también hay un homenaje al mejor cine policial de los '30.


Psicosis ( Psycho , EUA-1960) de Alfred Hitchcock, c/Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin. 109'.

Una muchacha comete un robo y luego se arrepiente pero ya es demasiado tarde, porque para entonces la fatalidad la ha llevado a pasar la noche en el Motel Bates. Aunque a esta altura su trama ya no sea una sorpresa para nadie, en términos formales este film se mantiene tan impactante como en el momento de su estreno. Su éxito no sólo fue la base del cine de terror moderno, sino que además inspiró toda clase de imitaciones, varias secuelas y hasta una remake (dirigida por Gus Van Sant en 1998) que, lejos de opacarla, la revalorizó


Peeping Tom (Gran Bretaña, 1960) de Michael Powell, c/Carl Boehm, Moira Shearer, Anna Massey. 101'.

Luego de haber sido utilizado como conejillo de indias en los experimentos psiquiátricos de su padre, un hombre se transforma en un asesino compulsivo, que sólo alcanza la satisfacción plena cuando observa la filmación de sus crímenes. Es evidente que Peeping Tom y Psicosis , de Alfred Hitchcock, son obras muy distintas ( Peeping Tom hundió la carrera de Powell mientras que Psicosis prolongó la de Hitchcock una década y media) pero no deja de ser curioso que el mismo año dos cineastas ingleses hicieran films protagonizados por asesinos seriales, tímidos con las mujeres, propietarios de caserones ominosos, propensos al voyeurismo y en ambos casos determinados por padres terribles.


Una mujer bajo influencia (A Woman Under the Influence, EUA, 1974) de John Cassavetes, c/Peter Falk, Gena Rowlands, Fred Draper, Lady Rowlands, Matthew Cassel. 112'.

El deterioro mental de un ama de casa se expone de manera implacable en esta obra mayor de Cassavetes, iluminada por el trabajo de sus protagonistas. Como sugiere el crítico Roger Ebert, el film maneja la complejidad necesaria para indicar que la mujer no es la única loca de la casa y que la diferencia entre ella y su marido es que la alineación masculina suele exteriorizarse de maneras socialmente admitidas. Se exhibe la versión de estreno internacional, algo más corta que la original norteamericana


Sangre para Drácula (Andy Warhol's Dracula, Italia / Francia-1974) de Paul Morrisey, c/Joe Dallesandro, Udo Kier, Arno Juerging, Máxime McKendry, Milena Vokotic, Vittorio de Sica, Roman Polanski. 103'.

El Conde Drácula (Udo Kier) tiene un problema: ya no quedan vírgenes en Transilvania y, como él mismo dice, "la sangre de estas putas me está matando" . Así que se muda a Italia en busca de doncellas. El gran Vittorio de Sica, que a esta altura estaba más allá del bien y del mal, interpreta a un noble italiano venido a menos, dispuesto a entregar a sus hijas a Drácula a cambio de un mejor pasar. Un joven empleado con conciencia de clase (Dallesandro) se muestra dispuesto a hacer lo necesario para salvar a las muchachas. Este clásico trash se verá en copia completa y en fílmico, gracias al coleccionista Fabio Manes.


El hombre que cayó a la Tierra (The Man Who Fell to Earth, Gran Bretaña-1976) de Nicholas Roeg, c/David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry. 120'.

Roeg cuenta la llegada a la Tierra de un extraterrestre delgado y extravagante (David Bowie). Primero vive la aventura de ir recorriendo un planeta que solo conocía por transmisiones televisivas. Después experimenta la otra cara de la moneda: el costo de la vida emocional, y las traiciones de gente en la que confiaba. Ese proceso va rebajando su aura inicial y lo convierte casi en un pobre tipo, en una segunda parte progresivamente claustrofóbica y triste. Laberíntico, extenso y subyugante, con momentos que inspiraron a muchos directores de videoclips, absorbe sus propios excesos en la melancólica convicción del conjunto


El beso de la mujer araña (Kiss of the Spider Woman, EUA-1985) de Héctor Babenco, c/William Hurt, Raúl Juliá, Sonia Braga, Jose Lewgoy, Nuno Lean Maia, Denise Dumont. 119'.

"En El beso de la mujer araña el campo visual del cine no está al servicio de 'fijar' identidades y asignar roles de géneros, tal como las teorías feministas del aparato cinematográfico generalmente proponen, sino todo lo contrario. Lo cinematográfico, para Puig, abre el espacio donde los múltiples 'devenires' de lo queer se tornan posibles. Los recuerdos de Molina de sus películas se fijan, de a poco, en el cuerpo -en el suyo propio, en el de Valentín, en el de la novela, en el de sus lectores- casi como una prótesis para la identidad, y en ese proceso el cuerpo y las relaciones que de él dependen se transforman en una interfaz maleable de pura potencialidad e imaginación". Fragmento de un texto de Carla Marcantonio.




2. CICLO

Cine dentro del cine

Durante todo el mes


A lo largo de su historia, el cine se ha mirado a sí mismo de muy diversas maneras, desde la celebración hasta la sátira, pasando por el registro documental y ese extraño tipo de film, producto de la cinefilia, que cita films previos sin decirlo.

Durante enero, malba.cine repasará esa relación a través de 30 películas de, entre otros, Robert Aldrich, Woody Allen, Peter Bogdanovich, Mel Brooks, Buster Keaton, Gene Kelly, Jerry Lewis, Nicholas Ray, Douglas Sirk, François Truffaut y Billy Wilder.



Gajes del oficio

Una serie de películas sobre el hecho mismo de hacer películas


Especialistas en catástrofes ( Headline Shooter , EUA-1933) de Otto Brower, c/William Gargan, Frances Dee, Ralph Bellamy, Jack LaRue, Gregory Ratoff, Betty Furness, Wallace Ford. 65'.

Esta dinámica película de clase B es sobre los cameramen de noticieros cinematográficos, peculiar combinación de periodistas y aventureros. El tema permite utilizar un sensacional material de archivo rodado en locaciones por cameramen reales, pero además de ese propósito espúreo, de obvio reciclaje, el film está hecho con agilidad y cierto encanto. Nadie recuerda ya a los protagonistas Gargan y Furness, pero Ralph Bellamy y Wallace Ford tuvieron larguísimas carreras como actores de carácter. Gregory Ratoff también, pero además fue director y llegó a hacer algún clásico como Intermezzo o Los hermanos corsos


El fabricante de sueños ( Stand-In , EUA-1937) de Tay Garnett, c/Leslie Howard, Humphrey Bogart, Joan Blondell, Alan Mowbray, C. Henry Gordon, Jack Carson, Tully Marshall. 90'.

Un especialista en finanzas viaja a Hollywood para descubrir por qué un estudio de cine pierde dinero. Este fue uno de los poquísimos films del Hollywood clásico que se atrevió a reírse del sistema de producción de los grandes estudios y de sus trampas administrativas, y pudo hacerlo porque fue un proyecto del productor independiente Walter Wanger, que luego hizo clásicos como Sólo vivimos una vez (Lang) o La diligencia (Ford). Se dice que la productora Fox protestó por un par de agudas bromas sobre su estrella infantil Shirley Temple. Bogart agradeció la oportunidad de hacer una comedia, escapando por una vez de los roles de gángster que lo habían hecho célebre desde El bosque petrificado .


Invitación al amor ( Slightly French , EUA-1949) de Douglas Sirk, c/Dorothy Lamour, Don Ameche, Janis Carter, Willard Parker, Adele Jergens. 81'.

Esta comedia reitera, a la Pygmalion , el recurso del maestro y la discípula predestinados a enamorarse luego de pelearse mucho. El ritmo general del film es más europeo que norteamericano y su tono es atípico, entre otras cosas porque Ameche no compone un galán convencional sino un egocéntrico desagradable, y porque Lamour no interpreta a la belleza exótica pero relativamente pasiva de sus films con Bing Crosby y Bob Hope, sino un personaje más enérgico y divertido. Sirk decide que el film es, ante todo, un juego de apariencias y procede a sintetizar esa idea de varias maneras, empezando por la conducta de los protagonistas: Ameche elabora una ficción para lograr ser reincorporado al estudio del que lo han echado a patadas; Lamour protagoniza esa ficción e interpreta en ella a una falsa francesa llamada Rochelle Olivia. Y así como ella debe parecer algo que no es, todo lo que ve el espectador resulta -en dos escenas significativas- no ser lo que parece.


El ocaso de una vida ( Sunset Blvd ., EUA-1950) de Billy Wilder, c/Gloria Swanson, William Holden, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb. 110'.

Además de ser una de las obras maestras más frecuentadas de la Historia del Cine, este es un film sobre el modo en que Hollywood pisoteó su propio pasado durante décadas, al menos hasta que la TV lo volvió rentable y obligó a cuidarlo. Ese pasado es aquí Norma Desmond, vieja diva del cine mudo, pero también su omnipresente valet, su mansión y su auto, ruinas del tren de vida que solían llevar los habitantes de la fábrica de sueños en la década del 20. Y por supuesto también lo son los fantasmas que se reúnen a jugar a las cartas y esa película que Norma proyecta para sí misma, que no por nada es Queen Kelly (1929), una de las últimas superproducciones mudas, famosamente inconclusa. Wilder y su guionista Charles Brackett reunieron todo eso y le dieron, apropiadamente, la forma de una tragedia expresionista.


Cantando bajo la lluvia ( Singin' in the Rain , EUA-1952) de Stanley Donen y Gene Kelly, c/Gene Nelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen. 103´.

El mejor musical de todos los tiempos fue el resultado de una singular combinación de talentos visibles (Kelly, O'Connor, Reynolds e impagable Jean Hagen) e invisibles (directores Kelly y Donen, guionistas Adolph Green y Betty Comden, compositor Nacio Herb Brown, productor Arthur Freed). Con un tono alegremente autoparódico, el film evoca los primeros días del cine sonoro desde la aproximación vanguardista al musical que caracterizó toda la obra de Gene Kelly dentro del género.


La condesa descalza (The Barefoot Contessa , EUA-1954) de Joseph L. Mankiewicz, c/Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmond O'Brien, Marius Goring, Rossano Brazzi, Valentina Cortese. 128'.

Conocedor como pocos del divismo, fenómeno que diseccionó en La malvada ( All About Eve , 1950), Mankiewicz volvió sobre el tema en este film que además es una de las miradas más terribles que Hollywood lanzó sobre sí mismo. Pudo hacerlo porque se produjo de manera independiente y se filmó mayormente en Europa. Buena parte del personaje de Ava Gardner parece tomar elementos de la biografía de Rita Hayworth, pero las semejanzas son sólo superficiales. Además, paradójicamente, el recorrido de su personaje anticipó en cierto modo el de la propia Gardner, cosa que Mankiewicz podía intuir pero no saber en 1954. Quien la vea fotografiada en Technicolor por Jack Cardiff no tardará en comprender por qué muchos la consideran la actriz más hermosa que tuvo el cine norteamericano.


Intimidad de una estrella ( The Big Knife , EUA-1955) de Robert Aldrich, c/Jack Palance, Ida Lupino, Shelley Winters, Rod Steiger, Ilka Chase. 111'.

Sólo un auténtico independiente como Robert Aldrich podía llevar al cine la obra de Odets, una crítica feroz que resulta aún más significativa cuando se sabe que estuvo inspirada en hechos reales. Con ayuda de un grupo de intérpretes tan notable como idiosincrático, Aldrich narró la historia de una estrella (Palance) que no puede librarse de su productor (Steiger) porque éste le ha evitado la cárcel en el pasado y ahora está dispuesto a cobrarse esa deuda. Cada escena es un compendio de miserias humanas que Odets podía describir con exactitud por haberlo conocido de primera mano. Hollywood tardó en perdonar a Aldrich, quien para hacer su siguiente film prefirió trasladarse prudentemente a Europa.


El protegido (Argentina, 1956) de Leopoldo Torre Nilsson, c/Rosa Rosen, Guillermo Battaglia, Guillermo Murray, Mirko Álvarez, Fernando Vegal, Pepe Soriano, Víctor Proncet. 80'.

Un joven guionista logra interesar en su trabajo a un productor de cine y al mismo tiempo inicia un romance con su esposa, una actriz famosa, ya retirada. La zona emocional del film, con ciertos ecos de El ocaso de una vida , es compleja y está resuelta con la inteligencia formal que caracterizaría al realizador en obras posteriores. Pero aún más interesante es su mirada impiadosa sobre la industria del cine argentino de esa época, hecha de múltiples referencias documentales y con conocimiento de causa. Una leyenda inicial indica que " por cualquier semejanza que este film pueda tener con la realidad, el autor se siente muy entristecido ". No deja de ser curioso que Torre Nilsson escribiera y dirigiera este insólito film con producción de los hermanos Luis, Nicolás y Enrique Carreras.


El estado de las cosas ( Der stand der Dinge , Alemania / EUA / Portugal, 1982) de Wim Wenders, c/Patrick Bauchau, Isabelle Weingarten, Rebecca Pauly, Jeffrey Kime, Sam Fuller, Roger Corman, Robert Kramer. 125'.  
Tras su conflictiva relación con Coppola durante la producción del film Hammett , Wenders realizó este film sobre un director que se ve obligado a interrumpir su rodaje por falta de recursos. En parte el film es claramente una venganza pero en parte es también una reflexión sobre un modo de entender el cine que estaba desapareciendo. Tanto, que el propio Wenders no volvió nunca a hacer nada tan sugestivo. El veterano director de fotografía, que prefiere ocultar el hecho de que se están quedando sin película virgen, no es otro que el legendario realizador Sam Fuller. Fue uno de los papeles más bellos que le tocó interpretar en la extensa lista de películas que bendijo con su inconfundible presencia y su aura de leyenda viviente



La sátira

El cine visto a través del humor


Sherlock, Jr. (EUA, 1924) de Buster Keaton, c/BK, Kathryn McGuire, Ward Crane, Erwin Connelly, Jane Connelly, Joe Keaton. 50' aprox.

Se inicia como historia pueblerina sobre un desencuentro amoroso por culpa de un rival y luego se transforma en una sátira del cine de detectives. La escena que articula ambas partes es un clásico sin precedentes en su concepción y ejecución: Keaton procura ingresar a la película que se proyecta en un cine, pero ésta lo rechaza hasta que él se transforma en parte de esa ficción. Se trata de una de las películas cómicas más inventivas e influyentes del cine, con un derivado obvio en La rosa púrpura del Cairo , de Woody Allen. Se estrenó en Argentina con el título Un Sherlock Holmes de cartón . Se exhibirá con música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina Fernando Kabusacki


El chico de Hollywood ( The Hollywood Kid , EUA-1924) de Del Lord y Roy del Ruth, c/Vernon Dent, Mack Sennett, Billy Bevan, Andy Clyde, Marie Prevost, Charles Murray. 20'.

El propio Mack Sennett, inventor de la comedia de slapstick norteamericana, se ríe de sí mismo y de su manera de hacer películas en este insólito cortometraje, adquirido recientemente en una copia espléndida por el coleccionista Fabio Manes. Se verá como complemento del largometraje Sherlock Jr.


De golpe en golpe ( The Errand Boy , EUA-1961) de Jerry Lewis, c/JL, Brian Donlevy, Howard McNear, Dick Wesson, Robert Ivers, Pat Dahl, Kathleen Freeman. 92'.  
Jerry Lewis instala su personaje en un estudio de cine y articula una sátira de la producción cinematográfica en sus múltiples niveles, desde la máxima autoridad del board ejecutivo hasta la oficina de las mecanógrafas. Lewis aprovecha para dar rienda suelta a su propia experiencia en el tema y procede a desarticular todos los dispositivos con que Hollywood se especializó durante décadas en fabricar apariencias. También es una temprana toma de posición personal sobre lo que el cine debe ser, consolidada luego por el propio Lewis en su libro The Total Filmmaker . Se verá en copia nueva, adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.


Locura en el Oeste ( Blazing Saddles , EUA-1974) de Mel Brooks, c/Cleavon Little, Gene Wilder, Harvey Korman, Madeline Kahn, Slim Pickens, Mel Brooks. 93'.  
Muchos años antes de que se pusieran de moda las sátiras genéricas como Scary Movie , Mel Brooks hizo esta salvaje obra maestra que acumula tópicos del western con la erudición de un verdadero conocedor del género: el villano que aterroriza un pueblo para obtener tierras a bajo precio, el pistolero alcohólico, el viejo pionero que habla en una jerga incomprensible, la canción interpretada por Frankie Laine y un interminable etcétera. El hecho de que una parte de su humor hoy sea considerado políticamente incorrecto es evidencia del modo en que el cine ha involucionado en los últimos treinta años.


Cinco locos en Hong Kong ( Bon baisers de Hong Kong , Francia-1975) de Yvan Chiffre, c/Gérard Rinaldi, Gérard Filipelli, Jean Sarrus, Jean-Guy Flechner, Mickey Rooney, Clifton James, Bernard Lee, Lois Maxwell. 97'.

Se los conoció  en Argentina como "Los Hermanos Charles", aunque no eran hermanos sino un grupo heterogéneo de actores y músicos que en Francia se denominaban Les Charlots. El humor que hacían era más bien básico, pero alcanzaron una insólita popularidad durante la primera mitad de la década del '70, con varios films cuyos títulos locales comenzaban siempre con las palabras "Cinco locos" (avivados, sueltos, mosqueteros, en la guerra, etc.), aunque en realidad el grupo fue variando y sus integrantes no siempre fueron cinco. Este film, que fue una superproducción y supuso la culminación de su popularidad, satiriza en parte a las películas de James Bond y en parte a las películas de artes marciales. 


La última locura de Mel Brooks ( Silent Movie , EUA, 1976) de Mel Brooks, c/Mel Brooks, Dom DeLuise, Marty Feldman, Burt Reynolds, Paul Newman, Anne Bancroft, James Caan, Bernardette Peters, Sid Caesar. 90'.

Tras el éxito de sus parodias El joven Frankenstein y Locura en el Oeste , Mel Brooks decidió hacer una película muda, acerca de un director que decide hacer una película muda. Secundado por Dom DeLuise y por el increíble Marty Feldman (un hombre que lograba hacer reír con su sola presencia), Brooks va en busca de diversas estrellas para su proyecto, sin saber que los representantes de una temible corporación multinacional (Engulf & Devour) quieren impedirlo a toda costa. Se verá en copia nueva, adquirida recientemente por el coleccionista Fabio Manes.


Las angustias del Dr. Mel Brooks ( High Anxiety , EUA-1977) de Mel Brooks, c/MB, Madeline Kahn, Cloris Leachman, Harvey Korman, Dick Van Patten. 94'.

Un psiquiatra se hace cargo de un "Instituto para Personas Muy Muy Nerviosas" y pronto se encuentra acusado de un crimen que no cometió. Este debe ser uno de los films más cinéfilos de todos los tiempos porque su eficacia depende, en buena medida, de la familiaridad del espectador con el cine de Alfred Hitchcock. La sátira es exhaustiva e incluye diversos lugares comunes argumentales, varias escenas célebres y hasta algunos de sus más característicos recursos formales. La escena que refiere a Los pájaros es, en sí misma, una obra maestra. Las angustias ... es el absurdo titulo con el que se la estrenó en Argentina. En otros países circuló, de manera más civilizada, como Máxima ansiedad.



Detrás de la escena

Algunas películas que se hicieron sólo para mostrar cómo se hicieron otras películas.


La épica que nunca fue ( The Epic that Never Was , Gran Bretaña-1965) de Bill Duncalf. Largometraje documental con testimonios de Josef von Sternberg, Merle Oberon, Dirk Bogarde, Emlyn Williams, Robert Graves. 74'.

Este film basado en Yo, Claudio , de Robert Graves fue producido por Alexander Korda en Inglaterra, pero él mismo no llegó a dirigir satisfactoriamente a Charles Laughton en el papel titular y llamó como realizador a Josef von Sternberg, que en ese momento (1936) se encontraba descansando en Londres. Sternberg encontró atractivo el hecho de  " Mostrar cómo un Nadie se convirtió en un Dios y luego volvió a ser un Nadie ." En su autobiografía, dedicaría después 17 nutridas páginas a detallar las vacilaciones, manías e infantilismos de Charles Laughton (que había fallecido tres años antes de publicarse el libro), pero a pesar de ese poblado anecdotario, el rodaje se hizo sin mayores inconvenientes hasta que se completaron unos 20 minutos de duración neta. En ese momento Merle Oberon sufrió un accidente automovilístico, el rodaje se interrumpió por fuerza mayor, y como era inminente el vencimiento de algunos contratos Korda optó por abandonar el film. El metraje conseguido fue conservado y presentado en 1965 por la BBC, con entrevistas a los sobrevivientes e introducción del actor Dirk Bogarde. Texto de Homero Alsina Thevenet


El ferroviario ( The Railrodder , Canadá-1965) de Gerald Potterton, c/Buster Keaton. 25'.

Buster Keaton cabalga de Nuevo ( Buster Keaton Rides Again , Canadá-1965) de John Spotton. Documental. 60'.

En 1964 Buster Keaton aceptó hacer un cortometraje titulado El ferroviario , que debía mostrar los diversos paisajes de Canadá recuperando el estilo del cine cómico mudo. Para rodarlo, el equipo atravesó en tren todo el país, de Este a Oeste, siguiendo un recorrido trazado por el director Potterton e improvisando sobre el camino una serie de gags ideados por el propio Keaton. Conscientes de que se trataba de una ocasión histórica, los directivos del National Film Board tuvieron la feliz idea de enviar una segunda unidad de filmación para documentar el rodaje en el estilo del cinéma-verité y lograron así el único registro que existe de Keaton en pleno proceso creativo. El resultado se tituló Buster Keaton Rides Again y allí el cómico no sólo concibe y ejecuta gags, sino que además recibe homenajes, firma autógrafos, cumple años, explica la lógica cómica de Laurel & Hardy, canta viejas canciones de vaudeville y hasta se pelea con su director para poder hacer las cosas a su manera. Que, desde luego, es siempre la correcta


Dirigido por John Ford ( Directed by John Ford , EUA-1971) de Peter Bogdanovich. Largometraje documental con testimonios de John Ford, John Wayne, James Stewart, Henry Fonda. 99'.

Comienza de un modo engañosamente simple, con una serie de anécdotas más o menos pintorescas sobre el carácter del director y su costumbre de humillar a sus estrellas delante de todo el equipo. Esa primera parte culmina en una entrevista paródica, en la que Ford responde con monosílabos a las elaboradas preguntas de Bogdanovich. Pero enseguida el film comienza a describir sus métodos de trabajo y algunas cuestiones de estilo, para luego analizar temas y motivos recurrentes en su obra, en particular en relación con su mirada sobre la historia norteamericana y su preferencia por los héroes que salen "victoriosos de las derrotas". Todo ello se ilustra con fragmentos sus películas, elegidos con una erudición y un cuidado muy superiores a lo habitual en este tipo de documentales.


Ingmar Bergman (Suecia, 1971) prod. Svenska Filmindustri. Largometraje documental. 65'.

" Un director es una persona que no puede pensar, a causa de todos los problemas que tiene ". Esta es una de las muchas opiniones que Ingmar Bergman vierte en este film, hecho por un pequeño equipo durante el rodaje de El toque (1970), con extensas entrevistas a los intérpretes Bibi Andersson, Max von Sydow, Elliott Gould, al fotógrafo Sven Nykvist y al propio Bergman. Este trabajo nunca había sido visto en Argentina, hasta que la Filmoteca Buenos Aires adquirió en el exterior una copia nueva en su formato original de 16mm.


Exhibition (Francia, 1975) de Jean-François Davy. Largometraje documental con Claudine Beccarie, Benoit Archenoil, Noelle Louvet, Beatrice Harnois. 85'.

Con alguna influencia del cinéma-verite, este film se propone como un retrato documental de la actriz porno Claudine Beccarie y, por extensión, de la industria del cine pornográfico europeo de los '70. Fue uno de los primeros documentales sobre el tema (si no el primero) y en tal carácter tuvo el raro privilegio de ser programado en el New York Film Festival en 1975, pese a sus muchas escenas de sexo explícito. En Argentina tuvo un oscuro estreno en salas tras la abolición de la censura en 1984


La leyenda de Bruce Lee ( Bruce Lee, the Legend , Hong Kong-1977) de Leonard Ho. Largometraje documental. 88'.

Bruce Lee (1940-1973) llegó a ser la máxima estrella del cine de artes marciales y su popularidad alcanzó un nivel tal que sus productores llegaron a compaginar varias películas con material suyo tras su muerte. Algunas fueron tristes juegos de montaje, pero este documental, probablemente preparado para promocionar El juego de la muerte (1978) resulta muy interesante por la cantidad de material de archivo que logró reunir. Además de una serie de escenas inéditas, el film contiene imágenes de las oscuras películas que el astro protagonizó en Hong Kong siendo niño, o rarezas como la exitosa prueba de casting que le permitió obtener el papel de Kato en la serie El avispón verde .


Cómo se hizo La hora de los hornos (Argentina, 2007) de Fernando Martín Peña. Largometraje documental con testimonios de Fernando Solanas, Carlos Taborda, Fernando Birri, Juan Carlos Desanzo, Juan Carlos Macías, Carlos Atkins. 87'.

A partir de una extensa entrevista con Fernando Solanas y una importante cantidad de material de archivo hasta ahora inédito, el film describe el proceso de realización del film militante más influyente del cine latinoamericano. Se hizo exclusivamente para acompañar su edición en DVD, con la inapreciable colaboración de Alberto Ponce, y no tiene otra pretensión que la del testimonio.



Cinéfilos

Tres films que incorporan afectuosamente el pasado cinematográfico a su narrativa


Disparen sobre el pianista (Tirez sur le pianiste, Francia-1960) de François Truffaut, c/Charles Aznavour, Marie Dubois, Nicole Berger, Albert Remy. 80'.

Deseando ampliar su universo expresivo tras el éxito de Los 400 golpes, Truffaut eligió Down There , una de las mejores novelas de David Goodis, para realizar su segundo film. Resulta evidente que a través de esa obra Truffaut buscaba realizar una personal declaración de amor al cine norteamericano en general y al film noir en particular. Lo curioso es que al mismo tiempo logró una adaptación que respeta el clásico tono fatalista del autor, un film que tiene momentos de humor autoconsciente pero no cae en la parodia y está impregnado de esa resignada melancolía ante lo inevitable que caracteriza lo mejor del género negro.


La discoteca del amor (Argentina, 1980) de Adolfo Aristarain, c/Cacho Castaña, Mónica Gonzaga, Ricardo Darín, Stella Maris Lanzani, Tincho Zabala. 90'.

Darín ya era famoso, pero no prestigioso. Aristarain ya era prestigioso por su ópera prima La parte del león (1978). La segunda película del gran director argentino había sido La playa del amor , y la tercera fue ésta. Esas dos, más La carpa del amor y Los éxitos del amor , dirigidas respectivamente por Julio Porter y Fernando Siro, eran películas de la productora Aries, y cada entrega debía incluir unas cuantas canciones de estrellas de la época (Ángela Carrasco, Camilo Sesto, Franco Simone, por ejemplo). En La discoteca ... Aristarain consigue, además de encajar las canciones, hacer un policial (el crimen es la siempre vigente piratería) con momentos para el recuerdo, como la escena de la cabina telefónica. Dos comentarios: 1) la película es muy difícil de conseguir en video y ya no se pasa seguido en televisión; 2) el casete tenía algunas canciones no incluidas en la película. (Su tapa dice: "Banda de sonido original de la película y otros éxitos"). Texto de Javier Porta Fouz


La rosa púrpura del Cairo ( The Purple Rose of Cairo , EUA-1985) de Woody Allen, c/Mia Farrow, Jeff Daniels, Danny Aiello, Irving Metzman, Stephanie Farrow, David Kieserman. 92'.

El protagonista de un film hollywoodense se siente cautivado por la presencia recurrente de una espectadora en la sala y decide salir de la pantalla para conocerla. Esta película, una inversión del tema de Sherlock, Jr. de Buster Keaton, fue la más original de las muchas miradas nostálgicas que se volcaron sobre el cine por esos años. También es pertinente revisarla para recordar lo bueno que podía ser Woody Allen antes de ponerse a hacer borradores de películas en lugar de películas completas. 



Etcétera

En los siguientes films aparece el cine de algún modo, pero el tema central siempre es otro


Escándalo (Chile, 1940) de Jorge Délano, c/Mario Gaete, Gloria Lynch, Andrés Silva, Patricio Kaulen, Jorge Délano. 85' aprox.

El pionero Jorge Délano (que además era humorista gráfico) hizo este film en los inicios de la etapa de intención industrial del cine chileno. El resultado es muy curioso, en parte por el protagonismo que el director proporciona a la cámara cada vez que puede, y en parte porque en varias ocasiones -que no conviene anticipar- nada resulta ser lo que parece. Superficialmente la trama comienza con una serie de apuntes casi costumbristas en una casa de familia, luego deriva al melodrama y después parece inclinarse por el policial. La combinación de géneros resulta ser deliberada, fruto de la temprana cinefilia de su realizador. El film estaba perdido pero una copia fue hallada recientemente por la Filmoteca Buenos Aires. 


El demonio nos gobierna ( Fängelse , Suecia-1948) de Ingmar Bergman, c/Doris Svedlund, Birger Malmsten, Eva Henning, Hasse Ekman, Stig Olin. 78'.

Un maestro propone a un antiguo alumno, ahora director de cine, que haga una película sobre el infierno. El joven no lo toma en serio, seguro de que tal film es imposible de realizar. Sin embargo, a su alrededor, la vida es descripta como un lugar diabólico donde la muerte se presenta como una eventual salida. Los personajes se mueven en celdas construidas por ellos mismos y en prisiones ideadas por un mundo desencantado. De esa mediocridad sobresalen un periodista y una prostituta, su amor y la búsqueda infructuosa de respuestas. La falsedad del dispositivo cinematográfico queda al descubierto para mostrar también el artificio de sus vidas. Es la primera película basada en una historia propia y un ensayo sobre sus más trabajados fantasmas. Texto de Natalia Tacceta.


Muerte en un beso (In a Lonely Place, EUA-1950) de Nicholas Ray, c/Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart. 91'.

Tiene tono de film noir e incluso hay un crimen que moviliza parte de la trama, pero lo que más importa, lo que vuelve único a este film, es la sensación de desesperación que transmite desde su primera imagen hasta ese final magistral que Ray y Bogart improvisaron a espaldas del guionista. Además el film es muchas otras cosas: una mirada desoladora y paranoica sobre el oficio de hacer películas, una trágica historia de amor, un tour de force de Bogart, y hasta una autobiografía parcial del propio Ray que en durante el rodaje se estaba separando de la actriz Gloria Grahame. Se exhibirá en copia nueva, recientemente adquirida por la Filmoteca Buenos Aires.


Dar la cara (Argentina, 1962) de José Martínez Suárez, c/Leonardo Favio, Lautaro Murúa, Nuria Torray, Luis Medina Castro, Pablo Moret. 110'.

Tres muchachos de diversa extracción social terminan el servicio militar y deben enfrentar la compleja realidad argentina de 1958. Entre muchos otros rasgos de esa realidad, Martínez Suárez y Viñas insertaron la oposición entre el cine industrial y el cine independiente, tomando igual distancia crítica de ambos. A diferencia de lo que suele creerse, la novela homónima de Viñas es posterior al guión del film. Los negativos de esta obra mayor del cine argentino se encontraban perdidos. En 2005, gracias a una gestión de Guillermo Álamo, fueron hallados y adquiridos por José Martínez Suárez, que los puso al cuidado de APROCINAIN. La copia nueva que se exhibe fue gestionada por Malba, con el apoyo de Cinecolor y Kodak


The Ring - El círculo ( Ringu , Japón-1998) de Hideo Nakata, c/Nanako Matsushima, Miki Nakatani, Yûko Takeuchi, Hitomi Satô. 96'.

La muerte sucesiva de varios adolescentes que han compartido unos días de vacaciones revela la existencia de una maldición terrible, que se descubre poco a poco hasta uno de los finales más genuinamente aterradores del cine reciente. El film es infinitamente superior a las secuelas y copias que originó después, en parte gracias a una construcción narrativa clásica pero también a su prodigioso diseño sonoro. Dos razones justifican su inclusión en este ciclo: en primer lugar su culminación podría interpretarse como una versión diabólica (y contemporánea) de La rosa púrpura del Cairo ; en segundo lugar el film incluye al primer espectro de la historia del cine que se dedica a hacer video-arte.




3. Film del mes XLVIII

Excursiones

(Argentina, 2009), de Ezequiel Acuña

Viernes y sábados a las 22:00


Marcos trabaja en una fábrica de golosinas; Martín es guionista de TV. Ambos fueron compañeros de escuela y grandes amigos, pero hace años que no se ven. Marcos consigue que un teatro quiera estrenar un unipersonal que creó en la escuela secundaria y le propone a su antiguo amigo que lo ayude a rescribir el texto. En su tercera película, Ezequiel Acuña retoma a los personajes que protagonizaron su corto Rocío, interpretados por los mismos actores. En una Buenos Aires más barrial, de un blanco y negro con una luz que ensucia y suaviza cada plano, la película va de la comedia al drama melancólico ida y vuelta, pasando de un estado a otro con esa misma sutil ligereza que caracteriza el cine de Acuña. Un relato que parece mínimo y obsesivo en el insistente intimismo con que retrata una relación en tensión permanente, pero cuyo uso de la música y una poética visual rigurosa lo convierten en un exponente de una concentración emocional casi única. Acuña revela que su universo personal está en continua expansión.

DIEGO TREROTOLA - BAFICI 2009



Ezequiel Acuña nació en 1976 en Buenos Aires, Argentina donde estudió dirección de cine. Luego de filmar varios cortos, estrenó en el BAFICI 2003 su opera prima "Nadar Solo" (Locarno). Con su segunda película,"Como un avión estrellado" ganó Mejor Película Argentina en el BAFICI 2005. Entre el 2008 y el 2009, realizó videoclips de músicos como Antonio Birabent, Ojas, La Foca y Fidel Nadal. "Excursiones", realizada en coproducción con Matanza Cine de Pablo Trapero, es su tercera película.



Ficha técnica

Dirección y Producción: Ezequiel Acuña. Fotografía y Cámara: Fernando Lockett. Dirección de Sonido: Hernán Severino, Rufino Basavilbaso. Montaje: Mario Pablo Pavéz, Ezequiel Acuña. Arte y Vestuario: Carola Gliksberg, Nicolás Abuaf. Asistente de Dirección: Nicolás Grosso. Música Original: Santiago Pedrero, Nicolás Pedrero. Canciones: La Foca (Uruguay). Guión: Ezequiel Acuña, Alberto Rojas Apel. Con la colaboración de Matías Castelli. Producción Ejecutiva: Agustina Llambi Campbell. Coproductores: Pablo Trapero Martina Gusman. Con el apoyo del INCAA. Elenco: Alberto Rojas Apel, Matías Castelli, Martina Juncadella, Ignacio Rogers, Martín Piroyansky, Santiago Pedrero y Mariano Llinás. Argentina - 2009, 80'





4. Estreno

La Tigra Chaco

( Argentina, 2008), de Federico Godfrid y Juan Sasiaín

Viernes y sábados a las 20:00


La Tigra, Chaco. Apenas veinte cuadras desoladas conforman este pueblo a la hora de la siesta. Esteban regresa tras largos años de ausencia al lugar donde vivió  sus veranos de infancia. Vuelve en busca de su padre, para reparar la pérdida y mirarse en sus ojos. Pero Cacho siempre está en la ruta, con su camión. Otra vez la desilusión deviene en espera.

Su tía Candelaria lo recibe en la antigua casa, llena de perros. La pieza de siempre, permanece intacta, los objetos de su niñez vuelven a su encuentro. Pero algunas cosas han cambiado en La Tigra después de siete años. Esteban cada vez más instalado quiere enterarse de todos los chismes del pueblo y en eso su tía, es una profesional.

Deambulando por las calles de tierra, Esteban recupera la esperanza en Vero, una amiga de su infancia devenida en mujer, y sueña con retornar a ese tiempo en que todo parecía perfecto. Pero Vero está comprometida con Roger, el carnicero y cantante del pueblo. Durante el recital de su banda, Roger le dedica una canción a su prometida. Esteban por primera vez se siente extranjero. Incómodo y aburrido, comprende que los ojos de Vero solo miran a Roger.

Una mermelada casera preparada por Candelaria propicia el encuentro entre Esteban y la nueva familia de su padre. En medio de unos tererés descubre a sus nuevos hermanos: Lucianito, apenas un bebé, y Alejandrito, a quien pareciera conocer de toda la vida. En la canchita de fútbol, sentados junto al arco, los hermanos contemplan el atardecer y comparten un rato en silencio. Cacho, el padre, sigue sin aparecer.

En la fiesta de Pupo suenan chamamés, pero es una chacarera la que los encuentra a Esteban y a Vero en la pista de baile. Sus cuerpos cada vez más cerca no llegan a tocarse hasta el final de la canción. Esteban va en busca de una copa de vino, pero llega Roger a la fiesta y con una mirada le alcanza para que Vero se vaya del lugar. Desilusionado, Esteban abandona la fiesta.

Escondida entre los árboles encuentra a Vero sentada, sola, llorando sobre un tronco. Una sonrisa, una mirada, un recuerdo. Esteban y Vero caminan juntos hacia un amor que debió morir hace tiempo. La iglesia abandonada vuelve a ser testigo de su encuentro. Cuando el pasado se convierte en futuro, los planes ya no existen.



Ficha técnica

Director / Guionista: Federico Godfrid y Juan Sasiaín. Productores: Ignacio Rey, Diego Corsini, Gastón Rothschild, Federico Godfrid, Juan Sasiaín. Directora de Fotografía: Paula A. Gullco. Directora de Arte: Lorena Segovia. Director de Sonido: Diego García Milá. Música Original: Daniel Godfrid. Montaje: Valeria Otheguy. Compañías productoras: Sudestada Cine.

La Tigra Cine: Contacto info@sudestadacine.com


Elenco

ESTEBAN Ezequiel Tronconi. VERO Guadalupe Docampo. CANDELARIA: Ana Allende. ALEJANDRITO Federico Ibañez. ROGER Roger Grancic. CACHO Orlando Reinoso. PETI Peti Fernández. PIRIKA Pirika Juarez. MARIANGELES Mariángeles Iván. ALE Alejandra Gimenez. CLAUDIA Elcida Villagra. ALBAÑIL Juan Carlos Aguirre


5. Estreno

Los resistentes

(Argentina, 2009), de Alejandro Fernández Mouján

Domingos a las 18:00



Relatos de protagonistas de la lucha clandestina llamada resistencia peronista , entre 1955 y 1965. Primero los bombardeos a la población civil de Buenos Aires el 16 de junio y luego el golpe militar del 16 de septiembre de 1955, impulsan a trabajadores, trabajadoras y gente del pueblo a salir en defensa del gobierno de Perón. Allí nace la "anormal, desmesurada, alucinada odisea de la Resistencia", la lucha clandestina contra una sangrienta dictadura autodenominada "Revolución Libertadora" y rebautizada como "Fusiladora". 

Hoy, esos mismos hombres y mujeres con más de 70 años, recuerdan su lucha, y se reivindican aún como resistentes.



Ficha Técnica

Dirección, dirección de fotografía y cámara: Alejandro Fernández Mouján.

Producción ejecutiva: Sebastián Mignogna y Eva Lauria.

Productor asociado: Marcelo Céspedes.

Guión y desarrollo de proyecto: Alejandro Fernández Mouján y Martín Rodríguez.

Investigación y producción en desarrollo de proyecto: Ricardo Ottone y Martiniano Cardoso.

Jefa de producción: María Vera.

Sonido directo: Luciana Jiménez Salice y Triciclo Sonido.

Post-producción de sonido: Lucas Granata y Alvaro Granata.

Montaje: Vanina Milione y Alejandro Fernández Mouján.

Color: Maximiliano Pérez (Alta Definición Argentina).

Productora: El Perro en la Luna.

165 min 2009


6. TRASNOCHES

Verano caliente

Indagaciones eróticas y pornográficas

Jueves, viernes y sábados a las 00:00


Como es habitual en el verano, malba.cine ofrece una serie de films en trasnoche, que por distintas razones son ideales para venir a ver en pareja.


Películas


Gitano (Argentina, 1970) de Emilio Vieyra, c/Sandro, Soledad Silveyra, Ricardo Bauleo, Silvina Rada, Pedro Buchardo, Juan Carlos Galván, Noemí Laserre. 90'.

El máximo símbolo sexual de la canción popular argentina protagonizó varios films (y llegó a dirigir algunos), de los cuales Gitano es el que mejor registra las características que lo volvieron un mito. Según una crítica publicada en su momento por el diario Clarín, "[...] con gran dominio del oficio y una incuestionable perspicacia para exaltar las características físicas y la personalidad del cantante, el director ha logrado aquí el mejor film de Sandro, de todos los que presentó hasta el momento".


Garganta profunda ( Deep Throat , EUA-1972) de Gerard Damiano, c/Linda Lovelace, Harry Reems, Dolly Sharp, Bill Harrison, William Love. 61'.

Una dama se lamenta por creerse incapaz de alcanzar el orgasmo, hasta que descubre que el problema se debe a una insólita anormalidad física: tiene el clítoris en la garganta. No es la primera película del género y ni siquiera fue la mejor, pero pasó a la historia en parte por su dirección abiertamente camp -que incluye números musicales y bastante humor-, en parte por los singulares talentos de Linda Lovelace y en parte porque se volvió un símbolo contra la censura: de pronto se transformó en algo que todo el mundo quiso ver. Se la considera la película más exitosa de la historia del cine en términos de la relación costo-beneficio.


Historia de O ( Histoire d'O , Francia / Alemania, 1975) de Just Jaeckin, c/Corinne Clery, Udo Kier, Anthony Steel, Jean Gaven, Christiane Minazzoli. 105'.  
Se basa con fidelidad en una célebre novela erótica de Dominique Aury (firmada con el seudónimo Pauline Réage) y resultó ser lo suficientemente inquietante como para permanecer totalmente prohibido en Inglaterra hasta 1999. Parte de su delirante imaginería reaparece, curiosamente, en la secuencia de la orgía aristocrática que filmó Kubrick para Ojos bien cerrados


Guerreras amazonas ( Curral de mulheres , Brasil-1982) de Oswaldo de Oliveira, c/Elizabeth Hartmann, Mauricio do Valle, Sandra Graffi, Lígia de Paula, Elys Cardoso. 99'.

No hay amazonas propiamente dichas en este film, sino un grupo de mujeres que huyen por la selva semidesnudas de sus captores para evitar ser vendidas al mercado de la prostitución. Las películas sobre cárceles de mujeres son un género en sí mismo que ha dado múltiples ejemplos de la más crasa exploitation. Siendo un producto brasileño, es lógico que este film le agregue al género un poco de color local con sus propios elementos tropicales. Cabe advertir que no se trata de un film apto para espíritus sensibles.


Caliente al rojo vivo ( Red Heat , Alemania Occidental / EUA-1985) de Robert Collector, c/Linda Blair, Sylvia Kristel, Sue Kiel, William Ostrander, Elisabeth Volkmann. 104'.

En 1983 Linda Blair, muy lejos de la niña endemoniada de El exorcista , protagonizó Cadenas calientes , un film de cárcel de mujeres que se transformó en un éxito trash . Dos años más tarde sus productores decidieron superarlo y concibieron esta película, que no es exactamente una secuela sino más de lo mismo, aunque con el agregado de comunistas, mayores dosis de sexo y violencia y la presencia de Sylvia Kristel, que había alcanzado status de culto interpretando a Emannuelle en varias películas softcore .  El resultado de esta nueva combinación es, por decirlo de algún modo, explosivo.


La mujer pública ( La femme publique , Francia-1984) de Andrzej Zulawski, c/Valerie Kaprisky, Francis Huster, Lambert Wilson, Patrick Bauchau, Gisele Pascal. 113'.

Hay algo de cine dentro del cine en este film rarísimo de Zulawski, usualmente más recordado por los agitados y desnudos bailes que realiza la bella Kaprisky. " Vi que tenía un modo de caminar rítmico, expresivo ", explicó el director. " Llevó varias horas de entrenamiento lograr que bailara con la misma naturalidad con que caminaba. La entrenó una mujer africana que yo tenía en el equipo, que sabía lo que era bailar ."


Porno mudo + música en vivo

Antes de los 60, antes de la industria del porno, el sexo explicito circulaba en el cine en forma de cortometrajes clandestinos, siempre mudos y en blanco y negro, conocidos como stag-movies. La palabra stag designaba a las reuniones exclusivamente masculinas donde estos films se exhibían.

En las stag-movies no hay bellezas neumáticas, artefactos sofisticados ni proezas sobrehumanas. Sus intérpretes tienen aspecto de gente común y representan con entusiasmo fantasías cotidianas, ausentes de la representación convencional. Los elementos narrativos pensados para que el espectador se identifique están dispuestos en estos films con el mismo rigor que en el cine clásico, con la ventaja de que el porno, libre de toda restricción, puede apelar a situaciones ausentes del cine comercial normal.

La muestra consiste en una selección de seis cortometrajes, con un total de 65 minutos de duración. El evento contará con acompañamiento de música compuesta e interpretada en vivo por la National Film Chamber Orchestra, coordinada por Fernando Kabusacki.



7. Grilla de programación


Jueves 7

14:00   La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz

16:00  El demonio nos gobierno, de Ingmar Bergman

18:00  Ingmar Bergman, de Stig Björkman

19:00  Especialistas en catástrofes, de Otto Brower

20:00  Disparen sobre el pianista, de François Truffaut

22:00  The Ring, de Hideo Nakata

00:00  Garganta profunda, de Gerard Damiano


Viernes 8

14:00  Intimidad de una estrella, de Robert Aldrich

16:00  El protegido, de Leopoldo Torre Nilsson

18:00  Muerte en un beso, de Nicholas Ray

    20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

    Avant premiere (Función para invitados)

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Gitano, de Emilio Vieyra


Sábado 9

14:00  La épica que nunca fue, de Bill Duncalf

    16:00  El ferroviario, de Gerald Potterton + Buster Keaton cabalga de nuevo, de J John Spotton

18:00  Directed by John Ford, de Peter Bogdanovich

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Caliente al rojo vivo, de Robert Collector


Domingo 10

14:00  La leyenda de Bruce Lee, de Leonard Ho

16:00  Cinco locos en Hong Kong, de Yvan Chiffre

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernandez Moujan

22:00  Como se hizo la hora de los hornos, de Fernando Martín Peña


Jueves 14

14:00  El fabricante de estrellas , de Tay Garnett

15:30  La condesa descalza, de Joseph L. Mankiewicz

18:00  Escándalo, de Jorge Délano

20:00  La discoteca del amor, de Adolfo Aristarain

22:00  El estado de las cosas, de Wim Wenders

00:00  La mujer pública, de Andrzej Zulawski


Viernes 15

14:00  Muerte en un beso, de Nicholas Ray

16:00  Invitación al amor, de Douglas Sirk

18:00  De golpe en golpe, de Jerry Lewis

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Historia de 0, de Just Jaeckin


Sábado 16

14:00  Locura en el Oeste, de Mel Brooks

16:00  Las angustias del Dr. Mel Brooks, de Mel Brooks

18:00  La última locura de Mel Brooks, de Mel Brooks

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Guerreras amazonas , de Oswaldo De Oliveira


Domingo 17

14:00  La rosa púrpura del Cairo, de Woody Allen

16:00  Sherlock, Jr., de Buster Keaton + MV

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

21:00  Porno mudo + MV


Jueves 21

14:00  Tuyo es mi corazón, de Alfred Hitchcock

16:00  Psicosis, de Alfred Hitchcock

18:00  Río Grande, de John Ford

20:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

22:00  Una mujer bajo influencia, de John Cassavetes

00:15  Exhibition, de Jean-Francois Davy


Viernes 22

    14:00  El ferroviario, de Gerald Potterton + Buster Keaton cabalga de nuevo, de John Spotton

16:00  La rosa púrpura del Cairo, de Woody Allen

18:00  Sherlock, Jr.  Buster Keaton + MV

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Porno mudo + MV


Sábado 23

14:00  Cantando bajo la lluvia, de Gene Kelly y Stanley Donen

16:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

18:00  Dar la cara, de José Martínez Suárez

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Sangre para Drácula, de Paul Morrisey


Domingo 24

14:00  El hombre que cayó a la Tierra, de Nicolas Roeg

16:20  Lo que el cielo nos da, de Douglas Sirk

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

21:00  Una Eva y dos Adanes, de Billy Wilder


Jueves 28

14:00  El rock de la cárcel, de Richard Torpe

16:00  El ciudadano, de Orson Welles

18:00  Outer and Inner Space + Kitchen, de Andy Warhol

20:00  The Chelsea Girls, de Andy Warhol

00:00  Lonesome Cowboys, de Andy Warhol


Viernes 29

14:00  Peeping Tom, de Michael Powell

16:00  Imitation of Christ, de Andy Warhol

18:00  Lupe, de Andy Warhol

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  My Hustler, de Andy Warhol


Sábado 30

14:00  El ocaso de una vida, de Billy Wilder

16:00  Poor Little Rich Girl, de Andy Warhol

18:00  Nude Restaurant, de Andy Warhol

20:00  La Tigra Chaco, de Juan Sasiaín y Federico Godfrid

22:00  Excursiones, de Ezequiel Acuña

00:00  Vinyl, de Andy Warhol


Domingo 31

14:00  Blow Job + Kiss, de Andy Warhol

15:45  Beauty 2, de Andy Warhol

18:00  Resistentes, de Alejandro Fernández Moujan

22:00  El beso de la mujer araña, de Héctor Babenco



Entrada General: $15.- Estudiantes y jubilados: $8.-

Abono: $65.- Estudiantes y jubilados: $33.-

MV: exhibiciones con música en vivo


AVISO: La programación puede sufrir alteraciones por imprevistos técnicos.

 

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